Vers le centre de la pièce, placée légèrement de biais, il y a une porte. Une porte qui ne s’ouvre pas. Une porte blanche surmontée de chapelets bleus, roses, jaunes. Au dos, une iconographie à l’effigie de Saint Antoine de Padoue, un homme juvénile, vêtu d’une bure franciscaine nouée à la taille, et qui tient entre ses bras un chérubin. Saint protecteur du foyer, il est un message d’accueil pour tous ceux qui sont en quête d’un espace domestique. Sans murs de part et d’autre, cette porte que l’on toise d’un regard interrogateur, ne peut être franchie et fait figure d’obstacle. Elle impose par sa présence une suspension du mouvement. Le corps s’arrête. C’est ces réflexions sur les franchissements, les lieux de passage et la quête d'un lieu à soi qui habitent Carlota Sandoval Lizarralde. 

Les œuvres suspendues traversent de part en part l’espace de la galerie qui s'illumine de leurs formes colorées. Des fils se répandent jusqu’au sol. Leur contact avec les visiteurs est accidentel et marque d’une caresse sur l’épaule ou l’avant-bras la traversée des murs de tissus obliques et horizontaux. On note leur présence, en filigrane, dans la matérialité même de l'œuvre. Par endroits, on peut suivre leur tracé sinueux, leur ligne ondoyante à la manière d’un serpent, écho saisissant au titre de l’accrochage, Dans la serpiente.

Dans ses dessins sur tissus, la plasticienne colombienne, qui réside aujourd’hui en France, réalise un travail autour de la portée symbolique des frontières, de la question de la place pour les migrants. Habitée par les écrits de la poétesse et militante chicana Gloria Anzaldúa, l’artiste se dit composée d’un entrelacs d’influences qui nourrissent continuellement sa pensée. On décèle, ici et là, l’imprégnation de l’esthétique kitsch des icônes populaires à la gloire de la Vierge et la persistance d’une spiritualité héritée de son milieu familial. Portée par les récits collectifs qui lui ont été narrés, Carlota Sandoval Lizarralde offre, à travers une conception de l’espace qui lui est propre, une approche politique et esthétique de la frontière.

Sur le plan plastique, les formes découpées dans la couleur renvoient à la poésie du langage visuel du monde de l’enfance. On pense, devant ces aplats de rose, de bleu et de vert, à l’Américain Henry Darger. Mais c’est aux plasticiennes australienne et américaine Sally Gabori et Helen Frankenthaler que l’artiste se réfère. Inspirés de l’univers végétal, dénués de narration, les dessins se situent à mi-chemin entre figuration et abstraction. C’est à même le sol, dans l’intimité de son atelier de la Cité internationale des arts de Montmartre, le corps tendu vers la surface plane de la toile, pour être au plus près de la nature par ce contact avec la terre, que Carlota Sandoval Lizarralde leur a donné vie. Comme des tesselles d’une mosaïque, de grands formats ont été divisés en morceaux épars qui, présentés conjointement, donnent à voir une variété possible de dessins qui se répondent et se prolongent dans un vocabulaire uniforme mais mouvant et en perpétuelle mutation. La technique employée - du pastel à l’huile - permet d’obtenir un résultat au fini gras, transitoire en ce sens qu’il migre dès lors qu’il y a contact avec la peau ou du papier. Comme le prolongement des réflexions sur la porosité de ceux qui se déplacent et se retrouvent dans deux espaces distincts avec pour seul dénominateur commun leur présence en ces deux lieux. 

Quel bel hommage donc que cet accrochage vibrant de couleurs et de générosité. Hommage à tous ceux échoués au pied d’une frontière, violentés pour n’être que différents. Différents par cette altérité de nationalités, de langues et de cultures que l’on ne parvient pas à dépasser par paresse ou simplement par bêtise. Une exposition qui, définitivement, ancre l’engagement bienvenu et salutaire de la galerie Fahmy Malinovsky.